大学のときにブルーハーツという人たちを知って、あこがれたなあ。あんな風に歌えたらと。

でも、どうしたって、キャラが違って、あんなふうにはなれなかった。

自分じゃないものになろうとしても、よけいに緊張するばかりだった。

まず自分のあり方、自分の声、自分の体、自分のキャラクター、そういうものを認めて、そこから歌う、ということが、できるようになる必要があった。

それは、技術じゃない何かだった。

「声が小さい」のは、緊張とのつきあい方がわかってきたことと、体のなかのつながり、全体性についてが、わかってきたおかげで、昔よりもましになったけど、いまも声量があるとはけして言えない。だけど声量の”量”はなくても、自分の内と外で共鳴するものを届けることができるということを知った。

うん、やっぱり、もっと歌いたいな！
自分のままで。

自分自身が興味を持っているワークをやっている人と組んでやるとき、「いやいや、この人のワークがおもしろいんだから、私が何かやる時間がもったいないよね」と、思ってしまうところがある。

でも、それは私自身にとってはそうだけど、参加者にとっては、私のやるアレクサンダー・テクニークのワークは、新鮮だったりするんだよな。

最初に、「コラボでやってみたいな！」と、思ったときの動機、
コミュニケーションのことを、アレクサンダー・テクニークを使ってやることの意味を、私が感じているということ、
それを、大切にすればいいんだな。

だけど、このあいだたまたま、その先生夫妻の太鼓とパフォーマンスを12年ぶりに見て、心躍った。

うまくできるかどうかじゃないよね、うまくできないことでも、やったらいいよね、と、自分に対して、思った。

先生に連絡したら歓迎してくれて嬉しかった。

ご主人の太鼓に合わせて踊る形は昔と同じ。
太鼓の音がリズムを刻むと、心躍る。

昔より、体力に自信なくてもできるクラスに変わってた。
大事なのはリズムと一体になることだし、アフリカのお婆さんなんかは歳とってもかっこよく踊ってるし、そういうのを目指したいねって。
同じリズムでも、元気が有り余っている若者はとび跳ねながら踊ったらいいし、そうでない人は、とび跳ねなくても、踊れる。

昔は先生も、お化粧もばっちりで、決めてた感じで近寄りがたい感じもあったんだけど、お化粧もナチュラルになってて、先生の感じも変わってたな。

だいたい覚えてきたら後半、ひょうたんなどでできた、ひとつひとつ違う形のパーカッションを、それぞれ持って鳴らして参加。
クラスの半分が踊って、半分が鳴り物を鳴らす。
楽器によって、けっこう難しいやつもあるけど、楽しい。

終わったら、クーラーボックスのなかからお野菜が出てきて、野菜の販売の時間がはじまった。昔の生徒さんが長野に移住して、有機野菜を作っているそう。トマトやオクラ、買ってその場でおいしそうにかじっている人も。私もかじってみた。おいしい！
教室が、どこかのアフリカの村みたいになっている。